IMAGINARIO TROPICAL
Q GALERÍA 💥 03.05.2024
El proyecto tomó como punto de partida simbólico al jacinto de agua, una planta frecuentemente catalogada como invasora, reinterpretada aquí como metáfora del desplazamiento, la intuición y la libertad de habitar el arte sin justificación.
Mi enfoque curatorial priorizó la resonancia sobre la categorización, generando un espacio de diálogo compartido entre artista y público. La muestra también incluyó obras colaborativas con Pamela Dueñas, Lúcida Pura, Francesca Frucci y Daga Studio.
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Conocí el trabajo de Rocío en 2022, cuando Monochrome comenzaba como proyecto web. En ese entonces, estaba en constante búsqueda de artistas emergentes para compartir en redes. Rocío había participado en la primera edición de la Bienal Universitaria de Arte Multimedia con una obra categorizada como escultura sonora digital. Su pieza, un degradado entre aguamarina y turquesa, elegante y serena, respondía a una época marcada por el entusiasmo hacia lo virtual, el metaverso y esas ideas muy del 2022.
Mi primer acercamiento fue para compartir esa obra. Rocío aceptó de inmediato. Desde entonces, he seguido su proceso creativo: en exposiciones colectivas, en inauguraciones, en conversaciones casuales. Siempre me pareció una artista que no se casa con un solo medio, porque sus ideas van más allá de cualquier límite técnico. Tiene una caja de herramientas generosa y flexible, donde cada medio es simplemente un vehículo para cazar la siguiente intuición.
Tiempo después, Rocío fue seleccionada para exponer en la programación de Q Galería 2024-2025. Estaba inmersa en lo digital, produciendo piezas para espacios virtuales que pocos habitamos. En medio de ese proceso me llamó para conversar. Me compartió sus inquietudes, sus referencias, y su deseo de que yo fuera el curador de su muestra. Yo, que había seguido su obra desde el inicio, acepté sin dudarlo. Mientras tanto, mi vida estaba en transformación: me mudé de país, comencé otra vida, otras rutinas, otros ritmos. Monochrome, el proyecto al que había dedicado tres años, empezaba a desmoronarse. No porque ya no creyera en él, sino porque estaba creciendo más rápido que yo.
Cuando le conté a Rocío que Monochrome estaba en pausa, pensé que se alejaría. Pero no fue así. Ella siguió confiando, buscando conversaciones donde sus ideas, igual de móviles que su obras, pudieran encontrar un cauce. En medio de esas charlas apareció el jacinto de agua. Me compartió referencias, lecturas, estudios. Y aunque al principio no entendía del todo su interés, supe que había algo más profundo que la teoría: una necesidad personal, casi espiritual, de conectar con esa planta flotante.
En una llamada le dije: “Tienes que obsesionarte con el jacinto de agua. Si te aburre, es porque no te interesa”. Ella quería volver al dibujo y a la pintura, pero sentía que lo digital la había alejado de esos medios más intuitivos. Nos equivocamos. En las conversaciones, entre anécdotas de vida, procesos personales y búsqueda artística, el lechuguín seguía flotando. No como tema, sino como guía. Volver a crear desde el deseo, no desde la justificación. Sin miedo. Sin sobreintelectualización.
Las obras que aquí se presentan son producto de ese proceso. No venimos a ofrecer respuestas, sino a interrumpir una lógica de producción artística que teme al error y a la emoción. Entendemos que el mundo es inhumano, sí. Pero por eso mismo, el arte no puede reproducir su crueldad. El arte que ignora la experiencia humana, el cuerpo, el miedo, la confianza, es un arte sin alma.
Hoy, después de tanto recorrido, confiamos más que nunca en el proceso creativo. En su capacidad de sacudir, de incomodar, de curar. Y en que la confianza, más que el talento o la técnica, es la herramienta más poderosa que tenemos para adaptarnos y seguir creando.
Norton Reyes-Vargas
ENG
Solo exhibition by Rocío Soria Díaz
The project took the water hyacinth as its symbolic point of departure—a plant often labeled as invasive, reinterpreted here as a metaphor for displacement, intuition, and the freedom of inhabiting art without justification.
My curatorial approach emphasized resonance over categorization, creating a shared space of dialogue between artist and audience. The exhibition also included collaborative works with Pamela Dueñas, Lúcida Pura, Francesca Frucci, and Daga Studio.
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I first encountered Rocío’s work in 2022, when Monochrome was just beginning as a web project. At the time, I was constantly searching for emerging artists to share on social media. Rocío had participated in the first edition of the University Biennial of Multimedia Art with a work categorized as digital sound sculpture. Her piece—a gradient between aquamarine and turquoise, elegant and serene—responded to a moment marked by the excitement surrounding the virtual, the metaverse, and those very 2022 ideas.
My first approach was simply to share that work. Rocío accepted immediately. Since then, I have followed her creative process: in group exhibitions, at openings, in casual conversations. She has always struck me as an artist who does not confine herself to a single medium, because her ideas extend beyond any technical boundary. She carries a generous and flexible toolbox, where each medium is simply a vehicle to catch the next intuition.
Some time later, Rocío was selected to exhibit in Q Galería’s 2024–2025 program. She was immersed in the digital realm, producing works for virtual spaces that few of us inhabit. In the midst of that process, she called me to talk. She shared her concerns, her references, and her wish for me to curate her exhibition. Having followed her work from the beginning, I accepted without hesitation. Meanwhile, my own life was in transformation: I moved to another country, began a new life, new routines, new rhythms. Monochrome, the project I had dedicated three years to, was beginning to collapse. Not because I no longer believed in it, but because it was growing faster than I was.
When I told Rocío that Monochrome was on pause, I thought she would drift away. But she didn’t. She kept trusting, seeking conversations where her ideas—just as fluid as her works—could find a channel. In the midst of those talks, the water hyacinth appeared. She shared references, readings, studies. And even though at first I didn’t fully understand her interest, I knew there was something deeper than theory: a personal, almost spiritual need to connect with that floating plant.
In one call, I told her: “You have to obsess over the water hyacinth. If it bores you, it means you’re not truly interested.”She wanted to return to drawing and painting, but felt that the digital had pulled her away from those more intuitive media. We were wrong. In our conversations—between life anecdotes, personal processes, and artistic searches—the lechuguín kept floating. Not as a theme, but as a guide. To create again from desire, not from justification. Without fear. Without over-intellectualization.
The works presented here are the result of that process. We are not here to offer answers, but to disrupt a logic of artistic production that fears error and emotion. We acknowledge that the world is inhuman—yes. But for that very reason, art cannot reproduce its cruelty. Art that ignores human experience, the body, fear, trust, is art without a soul.
Today, after so much journeying, we trust the creative process more than ever—its capacity to shake, to unsettle, to heal. And we trust that confidence, more than talent or technique, is the most powerful tool we have to adapt and to keep creating.
Norton Reyes-Vargas