Escritos Writings
Texto para la muestra de titulación de Samuel Saltos: Vamos a tomarlo con mucha calma porque es muy difícil.
Text for Samuel Saltos’ degree exhibition: Let’s take it very slowly because it’s very hard.
02.13.2024
La nostalgia deriva de las palabras griegas “nóstos”, que significa ‘retorno’, y “algos”, que se traduce comodolor, pena o angustia. Así, el significado literal de la nostalgia es el sufrimiento provocado por el deseo deregresar al lugar de origen.
Desde el periodo romántico en el siglo XVIII hasta el arte moderno, la nostalgia ha atravesado todos los ámbitosdel arte. Se manifiesta en diversas formas: ya sea como técnica, contenido o contexto. Recordar el pasado con gratitud yun dejo de tristeza ha caracterizado obras como las de J.M.W. Turner, quien, por ejemplo, acostumbraba a representar elcampo mítico pero tocaba con anhelo nostálgico la vida rural pastoral y abundante que creía perdida como resultado dela Revolución Industrial.
El álbum debut de Frank Ocean, titulado ‘Nostalgia, Ultra’, es un ejemplo contemporáneo de cómo la músicapuede evocar periodos importantes de la vida de un artista mediante el sampleo de canciones de Coldplay, MGMT y TheEagles. Es una forma de anhelar el pasado y rendirle tributo, en lugar de rechazarlo o negarlo; es aceptarlo por lo que fue ypor su contribución a la construcción de la identidad.
No debemos ocultar la nostalgia, pero tampoco caer por completo en ella. Este sentimiento no siempre es constante; a veces, surge repentinamente, por lo que debemos estar presentes para percibirlo. El hecho de que artistas como Turner o Frank Ocean sean conscientes de esto y lo reflejen en su arte es plasmar el sentimiento en un espacio atemporal, para que permanezca ahí y se sienta.
La nostalgia es un componente vital de la experiencia humana y del arte. Evocar el pasado nos conecta connuestras raíces y nos ayuda a comprender quiénes somos y cómo hemos llegado a serlo. A través de la nostalgia podemos encontrar consuelo y gratitud por lo que fue, mientras seguimos adelante hacia lo que está por venir.
Sinceramente,
Norton Reyes-Vargas
Nostalgia derives from the Greek words nóstos, meaning “return,” and algos, meaning pain, sorrow, or distress. Thus, the literal meaning of nostalgia is the suffering caused by the desire to return to one’s place of origin.
From the Romantic period in the 18th century to modern art, nostalgia has permeated all artistic fields. It manifests in various ways—as a technique, a theme, or a context. Remembering the past with gratitude and a hint of sadness has characterized works like those of J.M.W. Turner, who often depicted mythical landscapes yet nostalgically longed for the pastoral, abundant rural life he believed was lost due to the Industrial Revolution.
Frank Ocean’s debut album, Nostalgia, Ultra, is a contemporary example of how music can evoke significant periods in an artist’s life through sampling songs by Coldplay, MGMT, and The Eagles. It is a way of yearning for the past and paying tribute to it rather than rejecting or denying it; it is about accepting it for what it was and recognizing its role in shaping identity.
We should not hide nostalgia, but neither should we completely fall into it. This feeling is not always constant—sometimes, it arises suddenly, and we must be present to recognize it. The fact that artists like Turner or Frank Ocean acknowledge this and reflect it in their art captures the sentiment in a timeless space, allowing it to remain and be felt.
Nostalgia is a vital component of human experience and art. Evoking the past connects us to our roots and helps us understand who we are and how we have come to be. Through nostalgia, we can find solace and gratitude for what was while continuing forward toward what is to come.
Sincerely,
Norton Reyes-Vargas
Texto para la muestra de titulación de Samuel Saltos Vamos a tomarlo con mucha calma porque es muy difícil.
Article about the new generation of artists from Laboratorio Onder at Espacio Onder.
03.24.2023
En este artículo, te presentaremos a seis artistas que han tenido la oportunidad de trabajar en este espacio y descubrir su potencial creativo. Te contaremos sobre las obras que han producido durante su tiempo en el laboratorio y cómo esta experiencia les ha ayudado a crecer y desarrollarse como artistas.
PEDRO ‘PEDER’ GUEVARA
Es artista e ilustrador, su obra se destaca por figuras orgánicas y personajes que habitan en escenarios surrealistas. Explora con varios medios y trabaja en diferentes superficies que dan textura y contexto a sus creaciones. Peder intervino una pared del laboratorio Onder, donde aparece una estructura de colores con bordes en curva. La estructura une dos figuras de izquierda a derecha con una especie de tubo verde transparente, muy parecido a los de los juegos infantiles o laberintos para hamsters.
En la figura del lado derecho hay una escritura con letras orgánicas anaranjadas que forman la palabra ‘ONDER’. Sobre esta se encuentra una figura de cuerpo azul con cuatro patas. La figura tiene puntas redondeadas parecidas a un virus y del cuerpo azul sale una ventana circular de acrílico transparente color rojo, la transparencia del vidrio deja ver el interior vacío del cuerpo. Esta figura parece amigable y tiene un parentesco a los marcianos de la novela La Guerra de los Mundos de H.G Wells.
La composición tiene un aire de ‘playground’ y en esta hay dos banderines y una bandera. Los banderines se posicionan uno en cada extremo, mientras que la bandera se encuentra encima de lo que parece ser un globo que deja ver sus tres caras de color azul, amarillo y rojo. Parece que hay un juego que el artista propone, puede ser el ‘capturar la bandera’ o una pista de desafíos. En cualquiera de los dos casos, esta estructura se encuentra inmobil, dispuesta a dar la bienvenida a cualquier persona que decida jugar y ser parte de ella. Esta composición que en su costado tiene la palabra ‘ONDER’ espera ansiosa a lxs siguientes jugadores.
ANGEL VANONI
Es un artista en formación a ser emergente, quizás uno de los más jóvenes en entrar a la historia del laboratorio Onder. Angel tiene interés en la pintura de medio y gran formato. Su obra contiene pinceladas largas, horizontales y verticales. Existen varias capas de pintura, cada una no negando a su anterior. Resalta el color rosado y el amarillo, esta pareja aparece en las tres composiciones que Angel presenta.
Es inevitable no pensar en la estética del expresionismo abstracto, parece ser el movimiento artístico que mejor ha envejecido. El artista habla con serenidad sobre sus influencias, es bastante honesto sobre lo que le interesa alcanzar. A diferencia de las ideas políticas en contra de la Segunda Guerra Mundial que proponían los expresionistas abstractos, Angel tiene interés en la calma o la tranquilidad. Se toma su experimentación con ligereza, sabe que está aprendiendo y es arriesgado. Angel ya ha hecho lo más importante para su carrera artística, que es empezar.
HARRY MERCHAN
Explora el paisaje barrial a través del dibujo y la pintura. Sus composiciones de colores tierra con tonos cálidos se repiten en toda su obra, desde el trabajo pictórico hasta el escultórico/instalativo. Harry trae La Libertad de Santa Elena a Guayaquil, comparte el sentido de familiaridad y comunidad que no es hostil.
En sus composiciones, las figuras que constituyen el paisaje se encuentran haciendo actividades populares propias y adaptadas de la comunidad de La Libertad. Por ejemplo, una obra realizada a grafito muestra a una persona que tiene los brazos estirados para recoger una pelota de fútbol. Parece ser un acto simple, pero la figura no está compuesta por un par de brazos, estos se repiten de manera sutil dos veces más, como si el personaje estuviera raspando la pelota contra el suelo. Esta acción es común en el ‘peloteo’ de calle, se trata de limpiar la pelota de la tierra o suciedad que se ha recolectado durante el juego. Se limpia para evitar que las partículas de tierra se desprendan mientras la pelota va por el aire, cuidas tus ojos y los de tus compañeros. O simplemente esto evita que la pelota pese más. En el fútbol profesional, los jugadores realizan está acción con sus camisetas costosas de polyester, en el fútbol de barrio la tierra que ensucia la pelota es la misma tierra que la limpia.
Las decisiones que toma Harry en qué acciones retratar hacen que su obra sea reflexiva y entretenida. El paisaje local desde el juego apela a la infancia y a la ingenuidad. Recuerda el momento donde los seres humanos son niñxs que se reúnen para un fin, disfrutar o jugar a la pelota.
JOSÉ JUEZ
José presenta pinturas realizadas en acrílico. Sus composiciones se forman de pinceladas continuas que se mezclan por todo el lienzo, estas se funden con otros colores y dan la sensación de flujo. José no tiene formación artística académica, esto hace que su obra sea pura y honesta.
El artista habla sobre su arte como un proceso terapéutico, no es el tipo de arte que te hace pensar y que tiene detrás una mega teoría sobre cómo frenar el cambio climático y las inundaciones en Guayaquil. Es el arte que te hace sentir, es calmado, como ver las olas del mar. Este tipo de obras en lenguaje artístico sería naíf, es una forma en la que los académicos decidieron distanciar las prácticas de los que no alcanzaban los conocimientos artísticos profesionales. Distinciones absurdas para el siglo XXI.
José llegó al laboratorio Onder con el objetivo de aprender y explorar su práctica pictórica, es lo necesario que se debe tener para comenzar a construir una carrera en artes, como hobby o profesión; solo el artista definirá eso.
CHRIS VALLEJO
Chris es un artista que trabaja con el bordado y papel de alto gramaje. Su trabajo es delicado y muy preciso, tiene la sensibilidad necesaria para trabajar en este tipo de formato. Tejer no es solo un medio para formar figuras en dos o tres dimensiones, no es la figuración del tejido, son las historias e intereses a través del tejido. Cuando Chris teje también escucha, es una actividad que permite la interacción con el entorno.
El interés del artista está en las elevaciones, no desde el estudio topográfico, sino por la reflexión que dan las montañas y volcanes. Chris creció en la sierra ecuatoriana, no es coincidencia su interés. También, se puede comprender a la elevación como un estado espiritual, las personas que están más cerca del cielo pueden hablar con los dioses.
Chris llega a Guayaquil para el laboratorio Onder y se mezcla en una ciudad que carece de elevaciones a diferencia de la sierra. Pero, el ingenio del artista lo conduce a buscar estas elevaciones en lugares del paisaje local. El Río Guayas es un ejemplo, el artista se fija que sobre la corriente espesa habitan las Eichhornia crassipes, mejor conocidas como Lechuguines. Esta planta acuática es considerada una amenaza para el río de la ciudad por su fácil y rápida reproducción, hace que el río no se pueda oxigenar ocasionando muerte a algunas especies endémicas y en mayor cantidad evita el paso de embarcaciones. Chris ve al lechugin como una oportunidad y no una amenaza, curiosamente ha caído en una elevación que tiene que ver con el oxígeno y la comunicación. Es curioso porque las elevaciones de la sierra se caracterizan por sus alturas donde el oxígeno disminuye y donde durante años las personas subían a estas para comunicarse con las demás. Hay misterio o misticismo que no se puede comprobar científicamente y el trabajo de Chris se reproduce rápidamente como el lechuguin.
SAMUEL SALTOS
Trabaja con la fotografía como medio de producción principal. En el laboratorio decidió explorar más a fondo el archivo que heredó de la casa de sus familiares. El archivo es bastante extenso y cada foto debe tener dos o tres copias en formato impreso. El artista ha categorizado las fotos y las llevó al laboratorio en busca de un hilo conductor que conecte las narrativas familiares con su historia.
En las fotos se ven almuerzos familiares, cumpleaños, viajes, reuniones. Samuel tiene interés en los espacios en los que estas fotos están realizadas, muchas mantienen el mismo fondo y decoración, se trata de una casa familiar que por circunstancias de la vida, el artista ahora posee. Encontrar las historias de la casa a través de los objetos es profundamente reflexivo. Los objetos no hablan, explican un contexto y traen un recuerdo. Es por eso que el artista ha llevado parte de esta casa a las instalaciones de Onder. El papel tapiz, un reloj de manecillas, una pintura y un marco de fotos.
En este trabajo fotográfico, el medio es el punto de partida para un trabajo de instalación y collage. Samuel no expone sus fotos como una galería, trae parte del universo que existe en estas. Es cuidadoso con lo que quiere compartir porque los recuerdos a veces pueden ser dolorosos. Es un proceso de introspección donde invita al espectador a compartir un poco de su historia. Trabajar con el archivo significa no negar el pasado, es un acto de humildad y reconocimiento. Entender su tiempo vital es valioso porque reconoce que los acontecimientos del pasado forman a la persona que es hoy en día. El trabajo de Samuel es una exploración personal y sensible, un punto de partida interesante para explotar todas las aristas que el archivo familiar puede ofrecer.
In this article, we introduce six artists who have had the opportunity to work in this space and discover their creative potential. We will talk about the works they have produced during their time in the laboratory and how this experience has helped them grow and develop as artists.
PEDRO ‘PEDER’ GUEVARA
He is an artist and illustrator whose work stands out for its organic figures and characters inhabiting surreal settings. He explores various media and works on different surfaces that add texture and context to his creations. Peder intervened in a wall of the Onder laboratory, where he created a structure of curved-edged colors. The structure connects two figures from left to right with a kind of transparent green tube, reminiscent of those found in playgrounds or hamster mazes.
On the right side of the structure, there is an inscription with organic orange letters forming the word “ONDER.” Above this, a blue-bodied figure with four legs appears. The figure has rounded spikes similar to a virus, and from the blue body emerges a circular acrylic window in red, allowing a view into its empty interior. This figure seems friendly and bears a resemblance to the Martians from H.G. Wells’ novel The War of the Worlds.
The composition has a ‘playground’ atmosphere, with two small pennants and a flag. The pennants are positioned at each end, while the flag sits atop what appears to be a balloon displaying three colored faces: blue, yellow, and red. It seems that the artist is proposing a game—perhaps ‘capture the flag’ or an obstacle course. In either case, this structure remains immobile, ready to welcome anyone who decides to play and become part of it. The composition, featuring the word “ONDER” on its side, eagerly awaits its next players.
ANGEL VANONI
An emerging artist in training, perhaps one of the youngest to enter the history of the Onder laboratory. Angel is interested in medium- and large-format painting. His work features long, horizontal, and vertical brushstrokes. Multiple layers of paint coexist, with each layer not denying the one before it. Pink and yellow stand out as a recurring color pair in the three compositions Angel presents.
It is impossible not to think of the aesthetics of abstract expressionism, which seems to be one of the most enduring artistic movements. The artist speaks calmly about his influences, being quite honest about what he aims to achieve. Unlike the political ideas opposing World War II that abstract expressionists pursued, Angel is interested in calmness and tranquility. He approaches his experimentation lightly, knowing that he is learning and taking risks. Angel has already done the most important thing for his artistic career—he has started.
HARRY MERCHAN
He explores the neighborhood landscape through drawing and painting. His compositions feature earthy colors and warm tones, consistently appearing across his pictorial and sculptural/installation works. Harry brings La Libertad from Santa Elena to Guayaquil, sharing a sense of familiarity and community that is not hostile.
In his compositions, the figures making up the landscape are engaged in local and adapted communal activities. For example, one graphite work depicts a person stretching their arms to catch a soccer ball. It seems like a simple act, but the figure does not have just a single pair of arms—they subtly repeat twice more, as if the character were scraping the ball against the ground. This action is common in street soccer, a way to clean off dirt or dust accumulated during the game. It prevents dust particles from scattering when the ball is in the air, protecting the eyes of players and lightening the ball’s weight. In professional soccer, players use their expensive polyester jerseys for this, whereas in street soccer, the very dirt that soils the ball is what cleans it.
Harry’s choices in depicting these actions make his work both reflective and entertaining. The local landscape, through play, appeals to childhood and innocence. It recalls a time when humans were just kids gathering for a single purpose—to enjoy or play soccer.
JOSÉ JUEZ
José presents acrylic paintings. His compositions are formed by continuous brushstrokes blending across the canvas, merging with other colors to create a sense of flow. José does not have formal academic training in art, which makes his work pure and honest.
The artist describes his art as a therapeutic process. It is not the kind of art meant to make you think deeply or carry a grand theory about stopping climate change or flooding in Guayaquil. It is art meant to be felt—calm, like watching ocean waves. In artistic language, this style would be called naïve, a term academics once used to distinguish artists who lacked professional artistic training. An outdated distinction for the 21st century.
José joined the Onder laboratory to learn and explore his pictorial practice, the essential foundation for building a career in the arts—whether as a hobby or profession. Only the artist will define that.
CHRIS VALLEJO
Chris is an artist who works with embroidery and high-weight paper. His work is delicate and highly precise, demonstrating the sensitivity required for this format. Weaving is not just a means to form figures in two or three dimensions; it is not just about textile representation but also about the stories and interests conveyed through the craft. When Chris weaves, he listens—it is an activity that fosters interaction with the environment.
The artist is interested in elevations, not from a topographical study but from the reflections that mountains and volcanoes inspire. Chris grew up in the Ecuadorian highlands, making his interest no coincidence. Elevation can also be understood as a spiritual state—those who are closer to the sky can communicate with the gods.
Chris arrived in Guayaquil for the Onder laboratory, immersing himself in a city that lacks elevations compared to the highlands. However, his ingenuity led him to find these elevations in the local landscape. The Guayas River, for example, caught his attention with the Eichhornia crassipes, commonly known as water hyacinths. This aquatic plant is considered a threat to the city’s river due to its rapid reproduction, which depletes oxygen levels and endangers local species while obstructing boat passage. But Chris sees the water hyacinth as an opportunity rather than a threat. Curiously, he has identified an elevation related to oxygen and communication—an interesting parallel, as highland elevations are known for their thin air and have long served as places where people sought connection. There is a mystery or mysticism beyond scientific explanation, and Chris’ work spreads as quickly as the water hyacinths themselves.
SAMUEL SALTOS
Samuel works primarily with photography. In the laboratory, he decided to explore the archive he inherited from his family’s home. The archive is extensive, with each photo having two or three printed copies. The artist has categorized the photos and brought them to the laboratory to find a narrative thread connecting his family’s history with his own.
The photos depict family lunches, birthdays, trips, and gatherings. Samuel is particularly interested in the spaces where these photos were taken. Many feature the same background and décor, belonging to a family home that, due to life circumstances, now belongs to the artist. Discovering the house’s history through its objects is deeply reflective. Objects do not speak, but they explain a context and evoke memories. That is why the artist has brought parts of this home to the Onder space—wallpaper, a clock, a painting, and a picture frame.
In this photographic project, the medium serves as a starting point for installation and collage work. Samuel does not exhibit his photos like a gallery; he brings forth the universe they contain. He is careful with what he shares, as memories can sometimes be painful. It is an introspective process that invites the viewer to engage with his story. Working with archives means not denying the past—it is an act of humility and recognition. Understanding his personal timeline is valuable, as he acknowledges that past events shape who he is today. Samuel’s work is a personal and sensitive exploration, an intriguing starting point to delve into the many layers a family archive can offer.
Lo que fue Los Escombros Solo Show
03.25.2022
El 11 de noviembre de 2021 me contacté con Juan Huerta Coello porque Espacio Onder —un espacio expositivo en el centro de Guayaquil— había lanzado una convocatoria para su agenda de 2022. Quería producir la primera exhibición de Monochrome y darle a mi práctica curatorial un sentido más allá de la teoría. Juan no lo dudó, confiaba en que un curador emergente podía encargarse de su muestra individual.
Cuando visité su estudio para ver sus obras por primera vez, conversamos sobre nuestras intenciones. ¿Por qué hacemos exhibiciones de arte? ¿Por dinero? ¿Para inflar egos? Para Juan, era un proceso inevitable en el crecimiento de su carrera. Para mí, una oportunidad de materializar mi conocimiento, ganar experiencia y seguir aprendiendo. Así decidimos que la transparencia sería el núcleo del proceso.
Cuando le preguntaba a Juan sobre sus obras, respondía sin rodeos: “estas no las quisiera exhibir”, “estas no están terminadas, pero las puedo terminar”, “estas están en Estados Unidos, tendría que traerlas”. Con estas conversaciones, las obras comenzaban a revelar su carácter. No era solo una selección, sino un proceso que reflejaba su contexto y trayectoria artística.
Finalmente, trajo desde Sacramento (California) las piezas que reposaban en el clóset de la casa de su madre. Al llegar a Ecuador, algunas necesitaron restauración tras los estragos del tiempo y el viaje. Obras como Divino Niño o las zapatillas Bora Bora fueron repatriadas para exhibirse en una ciudad que no conocían, pero a la que pertenecían.
En el montaje, las piezas parecían de diferentes artistas: materiales y ejecuciones dispares, pero unidas por un hilo conductor. Una vez terminado, Juan llegó con dos imágenes religiosas de pequeño formato —de esas que las personas mayores reciben al salir de misa— y las colocó en algunas esquinas como un gesto de bendición. Paradójicamente, él no cree en estas prácticas, lo que hacía el acto aún más significativo: una acción sincera, impulsiva, sin necesidad de racionalización. Como mencioné antes, la transparencia fue el eje de Los Escombros Solo Show.
El opening marcó el cierre del proceso. Era el momento en el que nuestras dudas serían respondidas. Y así fue. Una señora, entusiasmada, leyó el texto curatorial y me dijo: “estas dudas van más allá de lo existencial, yo siento que es una meditación muy profunda”. Le creí. El ambiente del espacio era alegre, había personas que asistían por primera vez a una exhibición y otras que veían la obra de Juan por primera vez. El calor de Guayaquil se volvió parte de la propuesta; los ventanales del lugar permitían ver la ciudad de noche y que la brisa se mezclara entre la gente y las obras. Así lo habíamos imaginado: Los Escombros Solo Show estaba diseñado para el espacio y la experiencia.
La curaduría es un proceso vivo que involucra a artistas, gestores y espectadores. La producción de una exhibición debe tener un propósito claro y una intención consciente. La responsabilidad cultural radica en la honestidad y en la capacidad de filtrar lo que no aporta. Curar es, en esencia, cuidar: las obras, la historia y, sobre todo, la cultura.
On November 11, 2021, I reached out to Juan Huerta Coello because Espacio Onder—a gallery space in downtown Guayaquil—had launched an open call for its 2022 program. I wanted to produce Monochrome’s first exhibition and give my curatorial practice a meaning beyond theory. Juan didn’t hesitate; he believed that an emerging curator could take charge of his solo show.
When I visited his studio to see his works for the first time, we talked about our intentions. Why do we organize art exhibitions? For money? To feed egos? For Juan, it was an inevitable step in the growth of his career. For me, it was an opportunity to materialize my knowledge, gain experience, and continue learning. That’s how we decided that transparency would be at the core of the process.
When I asked Juan about his works, he answered bluntly: “I wouldn’t want to exhibit these,” “These aren’t finished, but I can complete them,” “These are in the United States, I’d have to bring them.” Through these conversations, the works began to reveal their character. It wasn’t just about selecting pieces but about a process that reflected Juan’s context and artistic journey.
Eventually, he brought the pieces from Sacramento, California—works that had been stored in his mother’s closet. Upon arriving in Ecuador, some had to be restored due to the wear of time and travel. Works like Divino Niño or the Bora Borasneakers were repatriated to be exhibited in a city they had never known but to which they belonged.
During installation, the pieces seemed to come from different artists—disparate materials and executions, yet connected by a common thread. Once the setup was complete, Juan arrived with two small religious images—the kind elderly people receive after Sunday Mass—and placed them in some corners as a gesture of blessing. Paradoxically, he doesn’t believe in these practices, which made the act even more meaningful: a sincere, impulsive action with no need for rationalization. As I mentioned earlier, transparency was the core of Los Escombros Solo Show.
The opening marked the end of the process. It was the moment when our questions would be answered. And they were. An excited woman read the curatorial text and told me, “These questions go beyond the existential; I feel it’s a very profound meditation.” I believed her. The atmosphere was lively—some people were attending an exhibition for the first time, while others were seeing Juan’s work for the first time. Guayaquil’s heat became part of the proposal; the venue’s large windows allowed the city’s nightscape to be visible and the breeze to flow between the audience and the artworks. It was just as we had envisioned: Los Escombros Solo Show was designed for both the space and the experience.
Curating is a living process that involves artists, organizers, and viewers. Producing an exhibition must have a clear purpose and a conscious intention. Cultural responsibility lies in honesty and in the ability to filter out what doesn’t contribute. To curate is, essentially, to care—for the artworks, for history, and, most importantly, for culture.